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巴黎2020年3月30日 /美通社/ -- 傳統(tǒng)上，藝術(shù)史是參照日期、地點、流派和技巧等精確標準來分析藝術(shù)趨勢演變的。然而，如今，似乎普遍采用了一種更加靈活、關(guān)聯(lián)性更強的方法，最大動力可能來自互聯(lián)網(wǎng)和社交網(wǎng)絡(luò)普及帶來的思想、展覽、藝術(shù)家和作品之間的動態(tài)碰撞。
ArtMarket.com創(chuàng)始人兼總裁蒂埃里-埃爾曼(Thierry Ehrmann)表示：“博物館習(xí)慣了以線性方式向我們展示藝術(shù)史，將作品按時代和流派進行分組。但現(xiàn)在博物館更傾向于更自由的展示。舉例來說，紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館(MoMA)有一個畫廊，同時展示巴勃羅-畢加索(Pablo Picasso)的《Les Demoiselles d'Avignon》（1907年）、路易斯-布爾喬亞(Louise Bourgeois)的雕塑作品《Quarantania》(1947/53)以及菲斯-林戈爾德(Faith Ringgold)的《美國人民系列20：死亡》(American People series # 20: Die，1967年）。這樣的展示似乎反映了另一種拍賣圖錄趨勢，即當(dāng)代作品在古典大師的作品或現(xiàn)代杰作旁邊展出，反之亦然。別忘了，佳士得在戰(zhàn)后和當(dāng)代藝術(shù)拍賣中售出了《救世主》(Salvator Mundi)。”
為了紀念其2019年度藝術(shù)市場報告的發(fā)布，Artprice在紐約蘇富比藝術(shù)學(xué)院舉辦了圓桌會議，探討這一范式轉(zhuǎn)變。Artprice對2020年3月3日舉辦的辯論的所有與會者，以及同意分享他們的想法的專家和蘇富比藝術(shù)學(xué)院的整個團隊表示衷心感謝。
視覺沖擊和思想碰撞
1937年，紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館舉辦了一場名為《Prehistoric Rock Pictures in Europe and Africa》（歐洲和非洲史前巖畫）的展覽，策展人阿爾弗雷德-巴爾(Alfred Barr)展出了米羅(Joan Miro)和畢加索的作品以及弗羅貝紐斯(Leo Frobenius)的洞穴藝術(shù)作品。但正如史前學(xué)家伊曼紐爾-蓋伊(Emmanuel Guy)于2019年6月在法國文化電臺所說：“現(xiàn)代作品和史前作品并沒有完全融合。某些作品聯(lián)系得更緊密了......，不過有人可能會說，顯得有所保留，包括在空間上將它們分開。”2019年，在巴黎蓬皮杜中心舉辦了一場名為《史前，一個現(xiàn)代謎團》(Prehistory: A Modern Enigma)的展覽，舊石器時代場地與賈科梅蒂(Giacometti)、摩爾(Moore)和布朗庫西(Brancusi)的雕塑完美融合在一起；米羅的一幅畫作直接掛在史前工具前，而弗羅貝紐斯的作品則掛在皮埃爾-于熱(Pierre Huyghe)的視頻的對面。
人們現(xiàn)在已經(jīng)對極具反差的藝術(shù)形式習(xí)以為常，這種藝術(shù)形式目前非常流行。數(shù)年來，凡爾賽宮(Palace of Versailles)邀請了多位當(dāng)代藝術(shù)家在其花園和沙龍展出作品，包括杰夫-昆斯(Jeff Koons)、格扎維耶·威蘭(Xavier Veilhan)、村上隆(Takashi Murakami)、伯納德-維納(Bernar Venet)、李禹煥(Lee Ufan)、阿尼什·卡普爾(Anish Kapoor)和奧拉維爾-埃利亞松(Olafur Eliasson)。當(dāng)代藝術(shù)家之間和華麗的巴洛克裝飾風(fēng)之間的“碰撞”每次都能夠帶來“視覺沖擊”。這種沖視覺擊將早期藝術(shù)與當(dāng)代作品完美融合在一起。
撰稿人、藝術(shù)評論家賈德-塔利(Judd Tully)表示：“數(shù)年前，可能就有人在弗里克收藏館(Frick)看到了這樣的例子，收藏家湯米爾森-希爾(Tomilson Hill)收藏了文藝復(fù)興時期的雕塑以及弗朗西斯-培根(Francis Bacon)和賽-托姆布雷(Cy Twombly)的作品。實際上，他過去在自己的公寓以及現(xiàn)在在切爾西的基金會都在很大程度上融合了早期藝術(shù)和當(dāng)代作品。有一次，我采訪他，我問他流派融合的想法是怎么來的。他說，這樣的想法最初來自建筑師彼得-馬里諾(Peter Marino)。”
順便說一句，湯米爾森-希爾可能還是《Toulouse Caravaggio》的買主。2019年6月《Toulouse Caravaggio》對外出售時，Hill正在舉辦一場展覽，展出抽象主義畫家克里斯托弗-伍爾(Christopher Wool)的作品，為其全新基金會揭幕。
靈活的“碰撞”
數(shù)個世紀藝術(shù)家之間的直接或間接“碰撞”帶來了自由，社交網(wǎng)絡(luò)，特別是#標簽，完美地反映了這一點。古典大師作品和超當(dāng)代作品之間的視覺撞擊在Instagram和Pinterest非常受歡迎。
《Discoveries in American Art》編輯彼得-福爾克(Peter Falk)表示：“Instagram已成為藝術(shù)市場不可或缺的一股力量。那么問題來了，Instagram到底是藝術(shù)市場的推動力還是顛覆力量？如果是推動力，那么下一個演變階段是什么時候？是否意味著Instagram可以帶來新的趨勢？”
Artprice對#標簽非常有興趣，因為#標簽讓我們能夠通過識別不同地方、展覽和藝術(shù)家等之間的共性來確定藝術(shù)市場趨勢。例如，有整整一代的女藝術(shù)家，她們都是50歲以下的非裔美國畫家，使用拼貼技術(shù)來創(chuàng)作親朋好友的肖像，也有這樣一群藝術(shù)家，她們接近街頭藝術(shù)，參考流行文化，在香港創(chuàng)作非常優(yōu)秀的作品。#標簽讓事物之間能夠產(chǎn)生靈活的“碰撞”，可能會忽視傳統(tǒng)的藝術(shù)歷史方法，也許是因為發(fā)展得太快了。
紐約蘇富比藝術(shù)學(xué)院的凱西-巴蒂斯塔(Kathy Battista)表示：“最大的變化在于誰書寫歷史。我們有個悠久的傳統(tǒng)，巴特(Barthes)等人書寫了現(xiàn)代藝術(shù)史，現(xiàn)在突然每個人都在書寫歷史，因為互聯(lián)網(wǎng)和社交媒體已經(jīng)完全實現(xiàn)了民主化。因此，我認為我們生活在新時代，而#標簽是這個新時代的象征?！畬W(xué)術(shù)界’會如何響應(yīng)，這很有趣。例如，耶魯大學(xué)藝術(shù)史系的蒂姆-巴林根(Tim Barringer)首次放棄了整個藝術(shù)史教規(guī)?！?/i>
事實上，長期以來，白人、異性戀、男性藝術(shù)家的西方教規(guī)一直統(tǒng)治著西方藝術(shù)史。但事情正以令人難以置信的速度（有時以相當(dāng)挑釁的方式）發(fā)生變化。洛杉磯大衛(wèi)-康丹斯基畫廊(David Kordansky gallery)為“某族裔”的收藏家保留了勞倫-哈爾西(Lauren Hasley)個人畫展的某些作品，震驚了藝術(shù)市場。不過，這種情況很少見。凱西-巴蒂斯塔承認，“走進惠特尼博物館，看到烤肉前有一幅13英尺高的黑人畫，真讓人耳目一新。”
如今，藝術(shù)品之間的“碰撞”更加靈活，而且這些“碰撞”的限制性更小，最重要的是不斷地演變。紐約現(xiàn)代藝術(shù)博物館一些畫廊每六個月?lián)Q一次畫，以展示更多畫作，并推動新的“碰撞”?？梢钥隙ǖ氖?，藝術(shù)市場將不得不開發(fā)新的工具來適應(yīng)這種加速發(fā)展。
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